Documento de referencia

El siguiente documento fue la principal referencia utilizada para la elaboración de las fichas. Además de este se utilizaron otras que aparecen en cada técnica.

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http://eprints.ucm.es/21443/1/TOAJASdir_GlosarioArtes_may13_reed.pdf

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Xilografía

La xilografía en una grabado similar al linóleo, pero la matriz es en madera. Este sistema fue el más utilizado en los orígenes del grabado moderno, su uso continúa para la ilustración de libros en el siglo XIX, y en la actualidad continúa especialmente en la elaboración de estampas japonesas Ukiyoe (siglos XVII a XX).

Los modos de elaboración dependen del tipo de tabla utilizado como matriz:

  • Xilografía a fibra: en esta la imagen se produce por relieve.
  • Xilografía a contrafibra: permite una mayor rapidez y ofrece mayor resistencia al desgaste.

Las matrices suelen ser tacos de pequeño tamaño que permiten imprimirse simultáneamente al texto.

HIROSHI YOSHIDA

September 19, 1876 – April 5, 1950) Fue un pintor y xilógrafo japonés, y es reconocido como uno de los mejores artístas del estilo shin-hanga.  Es especialmente reconocido por sus impresiones de paisajes.  Yoshida viajó a diferentes lugares y se conoce particularmente por trabar temas no-japoneses, hechos en técnicas xilográficas tradicionales japonesas.

Hiroshi Yoshida. (2016, March 1). In Wikipedia, The Free Encyclopedia. Retrieved 11:02, May 23, 2016, from https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Hiroshi_Yoshida&oldid=707739863

Técnicas Mixtas

Técnica:

Las técnicas mixtas se refieren al utilizar dos o más técnicas artísticas en una única obra. Los artistas que trabajan esta técnica pueden  mezclar cosas como el acrílico y óleo, grabado y collage o dibujo y fotografía logrando una mayor sensación visual y una riqueza de texturas. También se puede añadir elementos encontrados en la superficie de la obra, lo que da dimensiones escultóricas a una pieza bidimensional. Muchos artistas trabajan combinando distintos medios, pintura a base de agua y lápiz, por ejemplo.

Mezclar las técnicas permite aprovechar las ventajas de cada técnica que pueden estar asociadas con la luminosidad, tiempo de secado y características formales de cada una, así se pueden lograr matices imposibles de obtener con una sola técnica.

Para el uso de estas técnicas es importante saber qué medios son compatibles y cuáles son sus posibles efectos si se combinan. Todos los medios secos son compatibles entre ellos y presentan propiedades comunes, y lo mismo sucede con las técnicas a base de agua. El uso de medios secos y húmedos se puede hacer en cualquier orden, obteniendo resultados distintos.

Artista:

Robert Rauschenberg (1925 – 2008)

Pintor y artista estadounidense activo durante el cambio del expresionismo abstracto y el Pop Art. Rauschenberg alcanzó importante reconocimiento al combinar materiales no tradicionales en sus creaciones; sus trabajos “Combines” son a la vez pintura y escultura. También produjo obra en fotografía, grabado, papel y performance. Utilizó en sus pinturas imágenes encontradas como señales de tráfico, bombillos o botellas. Estos trabajos tuvieron una fuerte influencia en el arte pop. Más adelante a principios de los 60’s trabajó con serigrafía, en los 70’s y 80’s con collages, litografías y artes gráficas, y fotografías.

RR

 

 

 

Canyon, 1959, óleo, lápiz, papel, metal, fotografía, tela, madera, lienzo, botones, espejo, ágila disecada, cartón, almohada, pintura y otros materiales, 207.6 x 177.8 x 61 cm (The Museum of Modern Art) © 2014 Robert Rauschenberg Foundation

 

 

 

Referencias:

Academia C10. Glosario: Técnicas Mixtas. Recuperado de http://www.academiac10.com/glosario/glosario-tecnicas-mixtas/

Busca Biografías. Robert Rauschenberg. Recuperado de http://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/5232/Robert%20Rauschenberg

KhanAcademy. Robert Rauschenberg. Recuperado de https://www.khanacademy.org/humanities/art-1010/abstract-exp-nyschool/ny-school/a/robert-rauschenberg-canyon

L’Atelier CANSON. Técnicas mixtas: Nociones básicas. Recuperado de http://www.lateliercanson.es/tecnicas-mixtas-nociones-basicas

Wikipedia. Robert Rauschenberg. Recuperado de https://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Rauschenberg

 

 

Modelado

De acuerdo al significado de modelado es la acción de modelar, y eso es formar de una blanda que puede ser cera o barro, una figura. (RAE)

Por lo tanto para esta técnica hablaré de dos materiales particulares que se utilizan para eso. El primero será una breve descripción de la escayola o estuco, y el segundo más extenso será sobre la cerámica.

ESCAYOLA

La escayola o estuco es una pasta compuesta de yeso y agua de cola que tiene diferentes usos dentro de diversas áreas. Este material se obtiene generalmente mezclando yeso, cal apagada y agua de cola, a la que se le puede añadir aceite de linaza según la finalidad. Se utiliza por ejemplo, en construcción para preparar superficies para ser pintadas, o también para la ejecución de relieves decorativos al ser fácil de moldear, y permitiendo  obtener superficies lisas y pulidas. El uso de este material se remonta a las culturas prehelénicas, cretense y micénica, y a la última etapa de la cultura egipcia. Desde entondes su recurrente función decorativa.  También se utiliza para la  marmoración, que es la imitación de la piedra de mármol con este material. Captura de pantalla 2016-05-21 a las 16.28.35

Artista: Betty Sevilla de  Mendoza, Argentina

Transformar el mundo simbólico en formas insospechadas, tanto en obras plásticas como literarias, me resulta muy gratificante, especialmente si puedo compartirlas.

Trabaja la escultura utilizando diferentes técnicas como gres, cerámica blanca, porcelana y técnicas mixtas. http://www.bettysevilla.com/esculturas.html

CERÁMICA

Es la creación de objetos de arcilla los cuales pueden ser sometidos a cocción, vidriados y esmaltados. La cerámica se refiere a la arcilla cocida a temperaturas no menores de 500 grados centígrados.

Se distinguen tres grandes grupos de objetos cerámicos de acuerdo a su función:

1. De vajilla o de utillaje

2. La cerámica arquitectónica,

3. La escultórica.

La cerámica aparece por primera vez en la transición entre el Mesolítico y el Neolítico.

El proceso de la técnica Se inicia con la elección de la arcilla, se ablanda, se limpia y se añaden los elementos plásticos, los fundentes (silicato o borosilicato alcalino de plomo), para facilitar la fusión y controlar la dureza de la pasta y otros que evitan la contracción de la pasta y el agrietado como la paja o la arena. Una vez amasada, ya queda lista para ser trabajada.

El modelado es una de las tres técnicas para dar forma a la masa. En el modelado la pieza se seca al aire libre o en zonas sin mucho calor o a una precocción  a baja temperatura. Luego de esto se afina o retoca con espátilas o cuchillas, perfeccionando la forma y superficie de la pieza. Una vez listo esto se puede decorar haciendo incisiones o impreciones sobre el barro con diferentes instrumentos. Esto también se puede combinar con el coloreado con engobe o barniz. Una vez ya esté lista se cuece para que quede lista y con la dureza definitiva.

Estos objetos pueden impremeabilizarse con el vidriado, técnica que permite trabajar con más colores, logrando especiales efectos en la pieza.

Alexandra Engelfriet

Alexandra Engelfriet nació en Holanda en 1959. Ocupa un ligar especial en el campo de la cerámica, pero ha trabajado también el diseño gráfico, escultura y lnad-art. Su trabajo más reciente se centra en la arcilla, con una fuerte ascinación y referencia a la naturaleza.

La artista dice que trabaja con su cuerpo como instrumento sobre elementos de la tierra. Lo considera una experiencia física y espiritual que transforma lo moldeable en roca y lo hace perdurar en el tiempo, a la vez que visibiliza el acto y el movimiento. El movimiento, la vida, la fuerza y el espacio emergen, permanecen y viven en sus trabajos.

Engelfriet habla sobre su trabajo:

“For more then twelve years I have been working with the kneadable materials of the earth: mud, clay, sand, earth and snow. Huge spaces I have filled and formed with these materials, working with my body as an instrument. I have worked out in nature, using the materials and the natural forces I found on the spot.

This rich physical and spiritual experience with raw matter I now bring to the medium of ceramics. Through the process of firing, my work has become lasting. The mouldable hardens into stone in which the act, movement, remains visible. In the past I used walls and floors as a base to sculpt material on, now I use the walls of pots, as the base to mould clay on.

The essence of my work still is movement, moving matter, structures and rich textures emerging out of the process of kneading and moulding clay. They either follow the shape of the pot as a coat, or the shape of the pot becomes hidden under the sculpturally formed matter, that gives it a new shape. While kneading new possibilities emerge.

Sometimes it seems the movement in the clay springs from the empty inside of the pot, while at the same time materialising the invisible movements in the space surrounding it.

In a world that becomes more and more virtual, to be able to feel and experience the touch and sensuality of the body through the art of clay, is what I aim for.”

Puls Contemporary Ceramics. (09 de junio de 2007) Alexandra Engelfriet  [Material de blog] recuperado de http://www.pulsceramics.com/exhibitions/alexandra-engelfriet-2007/

 

 

 

Técnicas aditivas

TÉCNICAS ADITIVAS o COLLAGRAPH

El collagraph es una técnica experimental de grabado que consiste en elaborar una matriz pegando sobre un soporte diferentes elementos para luego ser entintados y estampados.

Algunos de los precursores de esta nueva forma de grabar fueron Pierre Roche , Rolf Nesh, Michel Ponce de León  y Boris Margo. Los productos producidos son muy interesantes por las texturas que resultan. Para pegar se puede utilizar casi cualquier cosa, siempre y cuando resista la fuerza que necesitamos para estamparla, si no consideramos que su destrucción sea parte del trabajo.  Entre los materiales utilizados para eso hay bases tanto líquidas como pastosas y sólidas.

  • Bases líquidas: pinturas o barnices con algún aglutinante. El barniz secará aglutinando los diferentes elementos que posteriormente serán los encargados de recoger la tinta.
  • Bases pastosas o cremosas: masillas emplastecedoras, resinas o adhesivos pastosos. Debido a su pastosidad, a estas se les pueden realizar dibujos o texturas que al secar conformarán una base dura que actuará como matriz.
  • Bases sólidas: los. materiales sólidos que se adhieran a la base pueden ser de cualquier naturaleza (papeles, cartones, plásticos, palillos de madera, telas, puntillas, hilos, cuerdas, etc).

El maravilloso mundo del grabado. (domingo, 29 de mayo de 2011) Técnicas aditivas [Material de blog] recuperado de http://elmaravillosomundodelgrabado.blogspot.com.es/2011/05/tecnicas-aditivas.html

mmbernal (15 de febrero de 2010) El Collagraph [Material de blog] recuperado de http://tecnicasdegrabado.es/etiqueta/tecnicas-aditivas-en-grabado

GORDON WAVERLY GILKEY

Gordon Waverly Gilkey (Marzo 10, 1912 – Octubre 28, 2000) Artista, educador y promotor de las artes de Oregon. Fue curador de grabados y dibujos, e hizo parte de una comisión para recuperar y restituir obras de arte que habían sido confiscadas o desplazadas durante la Segunda Guerra Mundial. En cuanto a su faceta artística, esta se desarrolló principalmente con las técnicas de impresión como el grabado (pej: collagraph y linóleo) y la litografía, con motivos abstractos.

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Gordon W. Gilkey, Fractured Earth, 1985, two color viscosity etching on paper, The Vivian and Gordon Gilkey Graphic Arts Collection, © 1985 Estate of Gordon W. Gilkey, 1997.228.146

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Gordon W. Gilkey, Micro-Culture, 1973, color collagraph on paper, The Vivian and Gordon Gilkey Graphic Arts Collection, ©

Portland art museum. http://www.portlandartmuseum.us/mwebcgi/mweb.exe?request=record;id=1276;type=101

 

Acuarela

Acuarela es el nombre que se le da a las técnicas de pintura acuosas, soluble con agua. El pigmento se diluye en agua con algún adhesivo incoloro que puede ser goma arábiga, cola de pescado o tragacanto. Una de las características de la técnica es su luminosidad, ya que las diferentes capas translúcidas hacen que el blanco del papel prevalezca.

En la acuarela las transparencias de los colores prevalece, ya que el color se aplica en capas ligerísimas, llamadas lavadosAunque el fondo casi siempre es blanco, pero es de señalar que el uso de este color como fondo sólo se generalizó durante los siglos XIX y XX. Previamente la escuela acuarelista inglesa,  siglo XVIII, trabajaba sobre fondos grises. (p ej: Turner).

El color se da con un pincel húmedo, y su tono depende de la cantidad de agua. Cuanta más agua lleve el pincel, más claro será el tono en el papel. Por el uso exclusivo del agua como diluyente, se seca rápidamente; lo que implica que la técnica se rápida y de las pininceladas sueltas; esto hace que en las obras se haga evidente las características personales de la pintura de cada creador.

Toajas Roger, M. A. (Directora). 2009. Glosario Visual de Técnicas Artísticas. Arquitectura, pintura, artes gráficas, artes suntuarias, escultura de la antigüedad a la edad moderna. Universidad Complutense de Madrid. Proyecto de innovación y mejora de la calidad docente – 213 – 2009. Recuperado de http://eprints.ucm.es/21443/1/TOAJASdir_GlosarioArtes_may13_reed.pdf

EMIL NOLDE

Emil Nolde (Nolde, 1867-Seebüll, 1956) Fue aprendiz en un taller de ebanistería, donde practicó diseño de muebles, talla en madera y dibujo artístico. De 1892 a 1898 fue profesor de dibujo ornamental y de modelado en la Escuela de Artes y Oficios de San Gallen (Suiza). Pintó entonces sus primeras acuarelas de paisajes y alcanzó un gran éxito con una serie en la que transformó las cumbres alpinas en gigantes con rostro humano.  Durante una estancia de estudios que tuvo en París y otros países (1898-1901) entró en contacto con los impresionistas, Cézanne y Van Gogh.

Se unió al grupo de pintores expresionistas de Die Brücke (El Puente) por un año 1906, mismo año en el que conoció al artista Eduard Munch. Nolde desarrolló su carrera muy en solitario.  Sus temas principales fueron: flores y jardines, paisajes costeros, marinas y temas religiosos. En 1941 le prohibieron pintar, exponer y vender su obra. Pinta entonces los «Cuadros no pintados», que son más de 1.300 acuarelas de pequeño formato.

Captura de pantalla 2016-05-22 a las 19.18.13Red Clouds, Emil Nolde  n. d. Watercolor on handmade paper.  34.5 x 44.7 cm  © Nolde-Stiftung Seebüll

«Cuadros no pintados»

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Acualera online. (6 abril 2010) Cuadros no pintados. [Material de blog] recuperado de

http://www.watercolor.es/historia-acuarela/los-cuadros-no-pintados-de-emil-nolde.html

 

Linóleo

El linóleo o linograbado, es una técnica de estampación en relieve, que significa que lo que se estampará serán las zonas altas de la matriz. El material utilizado como matriz es un compuesto de aceite de linaza fuertemente oxidado (linoxina), corcho, yute y pigmentos sobre una arpillera, dándole consistencia de caucho. El linóleo es un material que se utiliza para el revestimiento de suelos y que debido a sus características:

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blando, resistente y de bajo coste, se empezó a utilizar en la industria gráfica.

 Se talla con todo tipo de gubias y cuchillas.

 Debido a que no tiene textura, para conseguir grises en la estampación, es necesario hacer diferenetes patrones y tramados para lograrlos.

 mmbernal. (27 mayo, 2009) El linóleo. [Material de blog] recuperado de http://tecnicasdegrabado.es/2009/el-linoleo

PICASSO

Entre las múchas técnicas que utilizó y con las que experimentó Picasso se encuentra el linóleo, que además utilizar para lograr reproducciones con tinta, lo usó para hacer frottage.

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En sus linóleos en tinta, el artista tiene especial cuidado al estampar, que que sus planchas utilizan diferentes colores, una de sus principales características. Captura de pantalla 2016-05-22 a las 21.02.59

 

Soto. I. (19 de noviembre de 2012) El grabado mediante el frotado. Recuperado de http://bitacoradelinoleos.blogspot.com.es/

ABC.es (08/01/2014) El Museo Británico adquiere dos linóleos de Picasso gracias a donaciones privadas  en Diario ABC.  Recuperado de http://www.abc.es/cultura/arte/20140108/abci-museo-britanico-picasso-201401081232.html

 

Puntaseca

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El nombre punta seca se utiliza para describir la técnica de rayar o rozar la superficie de una plancha de metal con una punta, y se considera una técnica directa de grabado en hueco.Esta es una esta técnica de calcografía directa sobre la matriz que se realiza con punzones logrando unas incisiones que desplazan el material, dejando una rebaba. La matriz puede ser una plancha de zinc o cobre, latón o magnesio sin tratar, pero también de acrílico o plástico. Los punzones también pueden ser variados y van desde una punta de diamante hasta un simple metal afilado. Las líneas suelen ser cortas, y quebradas, con particulares efectos expresivos.  La rebaba y sus efectos al momento de imprimir, es uno de sus rasgos característicos, ya que no permite realizar muchas copias sin afectar su calidad. La posibilidad de hacer más o menos copias depende directamente sobre la dureza del material que entre mayor sea, más resistirán las rebabas la presión de la plancha, y más copias podrán hacerse.

Por esto en el grabado clásico de la Edad Moderna, la puntaseca se ha utilizado como complemento a otras técnicas (Rembrandt), o por grabadores no profesionales, y evitado por los que necesitban hacer muchas copias de una misma matriz.

REMBRANT

Rembrandt,  acepta posiblemente esta técnica integrándo la punta seca a las planchas trabajadas al aguafuerte, otorgando variado protagonismo en los diferentes trabajos. La posibilidad complementaria de la puntaseca es relevante debido a que su ejecución es más directa y emocional, y permite suavizar o resaltar cualquier grabado ejecutado con otra técnica.

Los temas tratados corresponden a su época. En el siglo XVII eran ususales los retratos y autorretratos, asuntos bíblicos, mitológicos y alegóricos, representaciones de mendigos o también escenas de género, desnudos y paisajes. Lo que las hace diferentes es la originalidad de la composición y del grafismo, junto son su significado y el simbolismo dimanantes, diferencian estas obras de la producción grabada de la época.

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Autorretrato con los ojos abiertos (1630)
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Aguafuerte, buril y puntaseca

Grabado a punta seca. (2015, 30 de septiembre). Wikipedia, La enciclopedia libre. Fecha de consulta: 09:29, mayo 23, 2016 desde https://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Grabado_a_punta_seca&oldid=85485679.

mmbernal. (22 de junio de 2009) La Punta Seca. [Material de blog] recuperado de http://tecnicasdegrabado.es/2009/la-punta-seca-esquema

Teresa (19 de mayo de 2011) El maravilloso mundo del grabado. [Material de blog]. Recuperado de  http://elmaravillosomundodelgrabado.blogspot.com.es/2011/05/grabado-la-punta-seca.html

Monotipo

El monotipo técnica de estampación sobre una plancha que puede ser de metal, vidrio o plástico sobre la cual se coloca una tinta o pintura, y como su nombre lo dice, permite una única estampación. Esto se debe hacer cuando el pigmento esté todavía fresco, para que el soporte pueda absorberlo adecuadamente. A pesar de que se estampa y se puede usar la presión de las manos o de un tórculo como en el grabado, se diferencia de esto por su unicidad y su incapacidad para multiplicar el producto. Sus resultados tiene caraterísticas especiales, como las texturas que emergen de la explosión de la tinta con la presión.

Para hacer un monotipo hay tres formas básicar de trabajar:

  • Método sustractivo: se trata de entintar la matriz,  para luego hacer el dibujo retirando la pintura con algún instrumento que deje la marca.
  • Método aditivo: en este se pinta o dibuja directamente sobre la plancha. Es muy parecido a la pintura y favorece la gestualidad de los trazos.
  • Método de trazado: con este método se debe entintar la matriz, poner una hoja encima y dibujarla por el reverso con un lápiz, peines, con los dedo, para que al papel se adhiera a las zonas que se dibuja, dejando la marca en el papel.

EDGAR DEGAS

Edgar Degas fue introducido a los “dibujos impresos”, por su amigo Ludovic Lepic. Disfrutó las posibilidades de experimentación de barrido tonal,  de las posibilidades de borrar, la manera de añadir tinta a las placas para producir tonalidades más ricas y diferentes.
Degas trabajó y reelaboró sus placas experimentando con las diferentes posibilidades que la técnica le ofrecía haciendo que cada impresión fuera única e interesante. Con su experimentación y accidentes creó una serie de impresiones que convertirían sus imperfecciones en ventajas creando efectos de luz y textura inimaginados.

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Monoprints.com. A brief history of monprints and monotypes. recuperado de http://www.monoprints.com/history.php

mmbernal. (25 de enero de 2010) Monotipo. [Material de blog] recuperado de http://tecnicasdegrabado.es/2010/el-monotipo

Educa thyssen. Glosario http://www.educathyssen.org/glosario-3